Opinión en Revista Semana de Diario Expreso
Recorriendo la exposición “Christian Dior Designer of Dreams”
Por: Sasha Santamaría
Era el primer viernes de agosto y
en las calles de Londres circulaba una apacible brisa veraniega. Caminaba hacia
el barrio de South Kensington rumbo a mi anhelado destino: el museo Victoria
& Albert. Allí, estaba a punto de presenciar la exposición más visitada en
la historia de esta institución, aquella que convocó a más de 500 mil personas,
superando el récord establecido por “Savage Beauty” de Alexander McQueen en
2011, considerada, además una de las muestras de moda más importantes de estos
últimos años: “Christian Dior Designer of Dreams”, la cual, en primera
instancia, fue exhibida en 2017 en el Museo de Arte Decorativo de París, a
propósito del aniversario número 70 de la casa de moda francesa. La exhibición
estaba dividida en varias salas que relataban la historia de la maison desde sus inicios hasta la
actualidad. Acompáñame a recorrerlas:
La explosión del “New Look”
El 12 de febrero de 1947, en su
boutique ubicada en el número 30 de la avenida Montaigne de París, Christian
Dior debuta como diseñador presentando su primera colección de Alta Costura
para Primavera-Verano. Su propuesta resultó ser la antítesis de la moda
heredada por las privaciones de la guerra, aquella en la que primaban los
tejidos austeros y una silueta rectangular. El plan de Dior era devolver el
glamour y llevar alegría a la mujer con su concepto de “mujer flor”; ideando
una imagen de feminidad con forma de reloj de arena, de cintura definida,
hombros delicados con busto y caderas prominentes, premisas que materializó a
través de sus líneas “Corola” y “8”.
“Esto es una revolución. Tus
vestidos tienen un “nuevo look”, le expresó Carmel Snow, editora de la edición
estadounidense de Harper’s Bazaar, como un anuncio del inicio de un cambio
radical en la moda femenina.
El ensamble epítome de esta
colección es el traje “Bar”, compuesto por una chaqueta de seda y una voluminosa
falda de tafeta, el cual ha sido reinterpretado a través de la mirada de los
diseñadores que continuaron su labor creativa, como una manera de homenajear su
legado.
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Izq: Traje
Bar (1947). Der: Fotografía de Willy Maywald
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Versiones
del traje Bar diseñadas por Maria Grazia Chiuri y John Galliano
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Los sucesores
Desde el fallecimiento de
Christian Dior el 14 de octubre de 1957, seis mentes creativas han sido
convocadas para mantener vivo su trabajo. Yves Saint Laurent, Marc Bohan,
Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri (primera
mujer delegada como directora creativa), se encargaron de reinventar los
parámetros fundacionales de la casa a través de su sensibilidad particular.
Así, la época de Saint Laurent es recordada por su inspiración en las tribus
urbanas de los sesenta, Gianfranco Ferré por su sentido arquitectónico, John
Galliano por su exuberancia y teatralidad, Raf Simons por su intención
futurista y Maria Grazia Chiuri, quien
comanda actualmente la dirección de la casa, destaca por su visión urbanita y sporty.
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Interpretando
la silueta Dior: Piezas de John Galliano, Maria Grazia Chiuri y Raf Simons
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Sala “The Garden”
Este salón recordaba el amor que
sentía el diseñador por las flores (gusto cultivado desde temprana edad por su
madre). Aquella fascinación que luego se convertiría en el núcleo de su
imaginario creativo, permitió que tanto él como sus sucesores conciban piezas
de marcada inspiración floral en todas las formas posibles. Los gestos de
asombro eran colectivos. Estar ahí generaba una sensación onírica, debido a las
flores que colgaban del techo y que reforzaban el romanticismo de este aspecto
tan distintivo y personal de la historia de Dior. Los vestidos allí exhibidos presentaban
rasgos que evocaban diversas variedades de flores; plasmadas a través de bordados,
estampados, siluetas y texturas. Un tributo a la feminidad de la “femme fleur”.
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Piezas de
Maria Grazia Chiuri, Yves Saint Laurent, John Galliano y Raf Simons
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| Romanticismo en clave floral por Christian Dior, John Galliano e Yves Saint Laurent |
Sala “Les Ateliers”
Este espacio era una ilusión
nívea conformada por los toiles (prototipos
de prueba) desarrollados por las costureras y demás integrantes de los talleres
de alta costura. Estas piezas (elaboradas en tejido de algodón blanco) permiten
realizar modificaciones de diseño, ajuste y confección antes de la ejecución
final del traje. La intención era celebrar el esfuerzo de estos artesanos de la
aguja, honrando su destreza manual, la cual constituye un aspecto sustancial de
este rubro puesto que posibilita la fantasía de la haute couture. Se exaltó de igual manera, el trabajo de talleres
tradicionales especializados en determinadas técnicas, como los plisados del atelier Lognon (puedes ver el making-of de uno de los vestidos aquí ), y los exquisitos bordados de Vermont.
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| Prototipos de prueba que forman parte del historial de diseño de la casa Dior |
Sala “The Dior Ball”
Para Dior, diseñar trajes de noche era una instancia en la que podía permitirse
una libertad creativa plena e ilimitada. También, le significaba una
oportunidad para demostrar las diversas habilidades de los integrantes de su
taller. Según el modisto, “la ropa de gala es una de las cosas más glamurosas
que una mujer puede tener”. Bajo esta premisa, daba forma a esplendorosos
vestidos de amplias faldas embellecidos con fulgurantes aplicaciones de bordados.
Fue en esta sala, que de repente, observé el vestido que tanto deseaba
ver: el majestuoso Junon, que el modisto
confeccionó en 1949 como parte de su colección Otoño/Invierno. Una fantasía
elaborada en seda compuesta por un top strapless
y falda en forma de pétalos con decoración de pedrería en tonos azulinos.
Su intención con estos vestidos era
ofrecerle a la mujer “un escape a la realidad del día a día”. Y esta preciosa y
mágica pieza es la consumación física de aquel deseo.
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Vestido
Junon por Christian Dior (1947)
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Fue un inmenso honor tener la
oportunidad de observar y apreciar tan de cerca las creaciones de este gran
modisto. Conocer su historia y la de sus sucesores, comprender por qué para él
era tan importante devolverle a la mujer la oportunidad de sentir belleza luego
de los horrores de la guerra; de portarla, de vestirla, de brindarle una
experiencia de felicidad a través de su ropa. Ese era su sueño. Y yo lo viví a
través de esta exposición.
*Publicado en Revista Cosas: https://cosas.com.ec/recorriendo-la-exposicion-christian-dior-designer-of-dreams/
Reseña en Diario Expreso (4-09-2019)
En Diario Expreso hablando acerca de las conferencias sobre moda que realizo junto a la Alianza Francesa de Guayaquil. Me honra y al mismo tiempo me alegra tener la oportunidad de generar estos espacios inéditos en la ciudad para discutir sobre moda desde una perspectiva histórica, cultural y social, y lo más importante, de libre acceso al público. En cada encuentro aprovecho para volcar mis conocimientos (todavía muy poquitos :D) con los asistentes; siempre con una gran sonrisa, como indica el artículo :) Es una grata experiencia compartir con ellos, despejar sus inquietudes y observar su curiosidad frente a los temas que proponemos. Me deja satisfecha saber que se llevan algo nuevo luego de cada encuentro.
Así es como debes llevar el estilo oversize
Por: Sasha Santamaría
Seguramente has escuchado de él y
lo has visto retratado en innumerables ocasiones. Su primera impresión puede
resultar estilísticamente intimidante e imposible, pero, sin duda, su aire
moderno genera una sofisticación deseable. El estilo oversize cautiva por sus líneas relajadas y silueta amplia de
guiños masculinos, que generalmente se concreta en prendas de corte casual o
sastrero. ¿Qué no es para todas? Por supuesto que sí. Siguiendo estos consejos,
podrás apersonarlo y adaptarlo a tu look sin complicaciones.
La regla de las proporciones
La consigna para crear un
equilibrio armónico recae en cuidar la relación de proporciones entre las
prendas superiores e inferiores. Por ejemplo, coordinando un blazer extra
grande con caída que vaya por debajo de la cadera junto a unas leggings o jeans
skinny. Súmale una t-shirt básica blanca y un calzado de
tacón cuadrado y obtendrás un conjunto verdaderamente chic para la oficina. La opción contraria sería tomar un pantalón
de corte baggy, holgado, de basta
generosa tipo palazzo y conjuntarlo
con un top de tejido adherente. La fórmula consiste en: holgado arriba, ceñido
abajo o viceversa.
Crea puntos focales
Si no te convence tanta soltura
en el look, puedes idear zonas de tensión que afinarán la silueta, incorporando
un cinturón como accesorio si te apetece marcar un poco la cintura, o utilizar
una blusa provista de amarres para resaltar discretamente la zona del busto.
Puedes, incluso, jugar con las mangas, doblándolas para contrarrestar el exceso
de tela y descubrir los brazos. Así, ajustarás o revelarás una zona del cuerpo
de manera sutil sin perder la intención cubritiva y grandilocuente de esta tendencia.
En materia de complementos…
Unos tacones de tipología afinada
se convertirán en el calzado preciso para compensar el efecto extra grande
característico del oversize,
añadiendo unos cuantos centímetros de altura que estilizarán visualmente tu
figura. Por el lado de los accesorios, aquellos de tipo lineal y minimalista
colaborarán en la continuación de esta idea de alargamiento. Prueba con unos
aretes largos de pedrería que lleguen hasta los hombros o con una cadena fina
que repose en medio del escote.
Viste una sola prenda
Experimenta el máximo confort que
brinda este estilo decantándote por llevar una pieza protagonista. Envuélvete
en una camiseta o camisa clásica XL de aquellas que se asemejan a las de tu
novio (o róbale una). Que no te resulte extraña la posibilidad de visitar la
sección de ropa masculina para adquirir una de estas piezas. Imagina también,
un cálido sweater de punto o un maxi blazer tipo vestido combinado con botas altas.
Tendrás el look perfecto para un fin de semana de fiesta o relajado.
*Publicado en Revista Cosas: https://cosas.com.ec/asi-es-como-debes-llevar-el-estilo-oversize/
Street style desde Londres
Por: Sasha Santamaría
Un aspecto que encuentro interesante cada vez que visito un nuevo
lugar es el vestuario de la gente. Creo que la forma en la que componen sus
atuendos enriquece el paisaje de una ciudad, volviéndola visual y estéticamente
entretenida, a la vez que permite una lectura acerca de sus modos culturales.
Como diría Bryan Turner: “el mundo social es un mundo de cuerpos vestidos”.
En Londres tuve la oportunidad de observar diversos estilos; en sus
calles conviven desde el más pulido hasta el más intrépido, eso sí, llevados
con mucha actitud. Aquí la consigna no es seguir la tendencia, es crearla. Pude
“cazar” algunos de ellos. Este es mi registro:
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| Formalidad deportiva |
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| Normcore easiness |
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| Glam metalizado |
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| Tailoring & statement shoes |
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| Punk sutil |
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| Black manifesto |
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| Atemporalidad bicolor |
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| Camuflaje urbano |
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| Estampados eclécticos |
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| Industrial vibes |
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| Chicness clásico |
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| Underground style |
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| Elegancia elemental |
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| Modern fairy tale |
*Publicado en Revista Cosas: https://cosas.com.ec/street-style-desde-londres/
Highlights de verano desde el Copenhagen Fashion Week
Por: Sasha Santamaría
Cada vez y con más fuerza, la
semana de la moda danesa va tomando preponderancia como capital generadora de
tendencias, sumándose al circuito de Nueva York, Paris, Londres y Milán. Su
estética “scandi-chic” resulta visual
y estilísticamente refrescante, con sus combinaciones de color llamativamente
armónicas y juegos de proporciones que conjugan el minimalismo con un aire effortless, razones que lo han convertido
en uno de los estilos de moda referenciales.
Estos son algunos de los
creadores a los que tienes que seguirle la pista para tomar inspiración al
momento de coordinar tus looks:
Ganni
Una de las marcas favoritas de
Instagram, propone un verano ecléctico apostándole al animal print como estampado para vestidos, tops y botas que llegan
hasta la rodilla. Como piezas clave, destacan los jeans de corte baggy y cintura alta (la comodidad es
prioridad) y prendas con detalles de drapeados sectorizados. La paleta de color
la protagonizan el lila y el verde en matices suavizados apastelados.
Cecilie Bahnsen
Inspiración victoriana con una
vuelta contemporánea. En el discurso de la diseñadora danesa reinan los
vestidos diáfanos con mangas abullonadas, envueltos en un halo de liviandad,
naturalidad y discreción. Las terminaciones irregulares de las faldas y tops coronan
el ánimo infantil y aniñado de la colección. Opciones que podemos imaginar como
vestuario para una celebración importante cerca del mar o fuera de la ciudad.
Saks Potts
Saks Potts , otra de las marcas “trendy” en redes, se la juega por conjuntos
de dos piezas unicolor o de textura 3D en una versión arriesgada. También
anticipa que los polka-dots
continuarán siendo el estampado de la próxima temporada, al igual que en
materia de calzado, las botas texanas seguirán siendo las elegidas para
complementar los ensambles veraniegos. ¿Un color? El fucsia como acento para
levantar los looks.
By Malene Birger
En su propuesta conviven siluetas
tradicionales (regidas por una cintura definida) y aquellas que devienen de un
concepto de feminidad ligado con el confort y el desapego del cuerpo. Las
piezas oversize participan de este
cometido brindando una imagen moderna y sutilmente andrógina. ¿Un estilismo a
imitar? El de top y maxi falda aderezado con sneakers, ¿hay algo más cool?.
Otra pista de tendencia: el cinturón como
accesorio protagonista para acompañar vestidos.
*Publicado en Revista Cosas: https://cosas.com.ec/highlights-de-verano-desde-el-copenhagen-fashion-week/
Los Hitos De Gabrielle "Coco" Chanel
Por: Sasha Santamaría
Un 19 de
agosto de 1883 nació la mujer que con su afinado sentido estético, fundó las
bases de la modernidad en el vestir femenino (tarea que más adelante
continuaría Yves Saint Laurent). Apasionada, contestaria e innovadora, Gabrielle
Bonheur Chanel, luchó en contra de los cánones de su tiempo para formular una
filosofía de estilo que ha perdurado a través de los años. Honoramos su legado
en la moda evocando sus contribuciones más memorables.
La silueta de la liberación
Hacia
fines de 1890 y mediados de 1920, el vestuario femenino estaba dominado por el
gusto de la 'belle époque'. Vestidos en forma de S (cintura definida a punta de
corsé, busto voluminoso y caderas redondeadas) acompañados por sombreros de excesivo
decorado marcaban la tendencia. No obstante, poco a poco, la mujer iba ganando
libertades (practicar deporte en público era una de ellas) y aquel estilismo
desentonaba con estas nuevas conquistas. Así, Chanel, fue una de las diseñadoras
que promulgó una silueta lánguida y desapegada del cuerpo que favorecía y
posibilita el movimiento.
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| La nueva silueta estaba liderada por un corte recto y un sentido lineal de la figura. |
El jersey: Innovación textil
Para
lograr que sus diseños cumplieran con esa cualidad confortable y fluida no solo
en términos de silueta, Chanel observó en el tejido de jersey una materialidad
para concretar aquellas virtudes en sus prendas. Esto significó un movimiento
ingenioso de su parte puesto que en ese momento, el uso del jersey estaba
relegado únicamente para la confección de ropa interior masculina. Gracias a
este descubrimiento, pudo dar forma a conjuntos de dos piezas para uso diario y
casual.
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Conjunto de dos piezas elaborado en jersey (1928).
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Negro: La elegancia de la
austeridad
Otro de
sus movimientos arriesgados en términos estilísticos consistió en proponer al
color negro en el vestir como símbolo de distinción y elegancia, que,
curiosamente, era un tono utilizado para los uniformes del personal de servicio
doméstico. Este punto resulta interesante puesto que recuerda una de las tantas
veces en que los hacedores de moda han tomado inspiración en aquello que está
fuera del margen de lo común, en una constante búsqueda de belleza dentro de lo
no convencional. De esta forma, mediante esta observación, Gabrielle concibió
una de las prendas epítomes del vestir femenino; el famoso little black dress.
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| Conjunto de dos piezas en negro absoluto (1927). |
El encanto de la funcionalidad
masculina
El estilo
de vestir de sus compañeros sentimentales supuso otra gran fuente de
inspiración para Chanel. En ellos, reparó en la confortabilidad y sartorialidad
sin esfuerzo de la ropa masculina, cualidades que se convirtieron en uno de los
pilares de su discurso vestimentario. Aquel postulado es visible por ejemplo en
la chaqueta de tweed, pieza que
devino a partir de su relación con el Duque de Westminster. En ella se refleja la
admiración de Chanel por la sastrería británica y de las prendas que usaba su compañero
en sus actividades al aire libre. De hecho, gracias a esta relación, Gabrielle
tuvo un acercamiento con Escocia, en donde conocería y generaría el tejido de tweed, materia prima de su icónica prenda.
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Chanel en un “fitting” de la chaqueta tweed para la actriz Romy Schneider.
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“La moda es efímera
pero el estilo es eterno”
-Coco Chanel-
*Publicado en: https://cosas.com.ec/los-hitos-de-gabrielle-coco-chanel/
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