Sasha Santamaría- Consultora de Moda: 2020

Tendencias 2021 listas para usar

Te presentamos nuestra curaduría de tendencias para la próxima temporada.

Por: Sasha Santamaría (Consultora de moda)

Y un día, en contra de ciertos pronósticos, los desfiles presenciales regresaron. Las pasarelas digitales fueron una medida transitoria que si bien, desafió a los diseñadores a crear novedosas maneras de comunicar sus colecciones, no resultó ser del todo gratificante y efectiva, específicamente para los periodistas, editores, clientes, compradores y otros participantes que precisan observar un desfile en primera fila para apreciar de primera mano y con rigurosa minuciosidad los detalles de las prendas. Así, poco a poco y a pesar de las circunstancias, el calendario oficial de desfiles va recuperando su ritmo habitual y Londres, París, Nueva York y Milán volvieron al ruedo presentando sus propuestas para la temporada Primavera-Verano 2021.

Estuvimos analizando las pasarelas para detectar las próximas tendencias (te adelantamos que no hay nada de estilismos distópicos en diálogo con la coyuntura pandémica); y realizamos nuestra edición considerando aquellas que podrás adecuar fácilmente a tu estilo u ocasión de uso. Esto, con el propósito de informarte sobre lo nuevo que vendrá y así, orientarte sobre las tendencias que creemos te resultarán adecuadas y prácticas al momento de vestir. De esta manera, si es tu deseo, podrás aplicarlas para refrescar tu guardarropa, inyectar una dosis de modernidad a tu vestuario e incluso, salir de compras con un criterio ya formado sobre lo que te resultará idóneo adquirir. Estas son nuestras elegidas:

Un color: Rosa

Visto en: Alice and Olivia- Versace- Anton Belinskiy- Isabel Marant- Emilia Wickstead

No es casual que en tiempos de crisis y de angustia colectiva, el rosa, un color relacionado directamente con la alegría (así lo describe Christian Dior en su adorable “Pequeño diccionario de la moda”), sea el que comande la paleta cromática de la próxima temporada. Recordemos que el color tiene la capacidad de influir directamente en nuestro estado de ánimo, así que este tono nos promete conjuntos cargados con mucho positivismo.

Consejo de estilo: Para crear un efecto visual dinámico en tus atuendos, prueba utilizando varios matices de este color; jugando con diferentes tonalidades en tus prendas y accesorios.

Crédito: Vogue UK

Una textura: Plateado metalizado

Visto en: Balmain- Balenciaga- Cynthia Rowley- Paco Rabanne- Valentino

La moda del 2021 viene cargada de mucha luz con la incorporación del plateado como una de las texturas protagonistas. Ya sea a manera de lentejuelas, símil cuero o tejido de strass, las prendas con esta cualidad te dejarán lista para brillar. Así que si la temperatura de tu piel es fría (esto te lo explicamos a detalle en nuestro artículo sobre colorimetría prepárate para deslumbrar porque esta tendencia te resulta bastante conveniente.

Consejo de estilo: Despréndete de la idea de que vestir prendas metalizadas está reservado únicamente para la noche. Puedes utilizarlas de igual manera durante el día; por ejemplo, en caso que debas asistir como invitada a un compromiso especial.

Crédito: Style du monde

Una prenda: Falda con abertura frontal

Visto en: Miu Miu- Dsquared2- Genny- Paco Rabanne- Fendi

Adoramos las faldas, pero, ¿qué tal esta opción de tipología con un toque de sensualidad? Una opción clásica que definitivamente debes tener en consideración para sumar a tu fondo de armario, puesto que su versatilidad te permitirá diseñar varias posibilidades para vestir; ya sea para una tarde de verano junto a unas alpargatas de plataforma o para la noche junto a unas sandalias de pedrería.

Consejo de estilo: Descontractura el aire elegante de esta prenda recreando un conjunto casual deportivo usándola con tenis.

Crédito: Elle.com

Una silueta: Años 50

Visto en: Prada- Elisabetta Franchi- Dolce & Gabbana- Miu Miu- Emilia Wickstead

La popular silueta de los años 50 está de regreso. Nostalgia en clave moderna. En hora buena, ya que sus proporciones resultan favorecedoras para todo tipo de cuerpo. La fórmula de falda de generosa amplitud y talle a la cintura estiliza por demás la zona de la cadera y el abdomen.

Consejo de estilo: Dale una dosis extra de glamour a tu vestuario de working woman emulando este estilismo de época con una clásica camisa blanca y una falda de corte campana.

Una prenda para tomar riesgo: El bra top

Visto en: Alberta Ferretti- Ami- Chanel- Jason Wu- Maison Mai

En la moda, a veces es necesario tomar ciertos riesgos para salir de la norma, siempre y cuando no vayan en contra de nuestro estilo personal y comodidad. El bra top se postula como una de las prendas it de la próxima temporada. A primera vista, promete libertad y frescura; se presenta como la prenda ideal para sobrellevar los días de extremo calor o para vestir en una celebración cerca del mar.

Consejo de estilo: Si no deseas exponer demasiado el abdomen, conjúntalo con una prenda cuyo talle vaya unos centímetros de más por encima de la cintura, dejando visible apenas una pequeña franja de piel entre el top y la prenda inferior que elijas.

Crédito: Cosmopolitan.com

*Publicado en Revista COSAS Ecuador: https://cosas.com.ec/tendencias-2021-listas-para-usar/

Publicación en Revista COSAS Ecuador Edición Septiembre 2020

Consideraciones para construir un armario eficiente y de calidad

Las claves que mejorarán el estado tu clóset.

Por: Sasha Santamaría (Consultora de Moda)

Contar con un guardarropa ordenado, sano y congruente con nuestro estilo de vida y gusto personal, es un aspecto determinante y de mucha ayuda a la hora de producirnos diariamente, puesto que facilita enormemente esta tarea, aumentando así las posibilidades de obtener resultados óptimos.

En algunos de nuestros artículos anteriores te hemos brindado pautas alrededor de este tema; dándote consejos para crear un armario sustentable y también para crear uno cápsula. Así que en esa línea, para esta ocasión hemos preparado las siguientes recomendaciones que te permitirán construir un armario eficiente y de calidad.

Crédito: The Style Bungalow

Un fondo de armario con tus “básicos”

El fondo de armario hace referencia a las prendas fundacionales de tu clóset, aquellas conocidas como “básicas” que destacan por su versatilidad y funcionalidad al momento de recrear un estilismo.

La camisa y camiseta blanca, el vestido negro, el pantalón recto, son algunos de los ítems que componen la lista. Esto es lo que dictamina el manual del asesoramiento de imagen, sin embargo, nosotros te proponemos crear tu propio grupo de básicos con base en aquellas prendas que más adoras vestir, o en efecto, que estén atravesadas por tu gusto personal y no necesariamente debas elegirlas por su neutralidad, y que sabes que vas a vestirlas una infinidad de veces puesto que te hacen sentir bien y congenian con tu estilo.

El dilema de los materiales

La composición de las fibras que conforman la ropa de nuestro armario es otra de las cualidades que aseguran su calidad y en consecuencia, su tiempo de vida. No obstante, como todo no puede ser o claro u oscuro, te recomendamos que siempre que esté dentro de tus posibilidades elijas aquellas de origen natural, puesto que resultan benevolentes con el medio ambiente y no se convertirán en un agente de contaminación al finalizar su ciclo de vida. Puedes elegir entre algodón, bambú, lino, tencel y seda para tus prendas de verano y lanas de camélidos como alpaca, llama o vicuña para el invierno.

En el caso de los complementos y prendas de abrigo como las chaquetas rige una particularidad, dado que nos encontramos con la disyuntiva de elegir entre el cuero de procedencia animal o uno “vegano”; este último, en su mayoría desarrollado en poliuretano (PU) o policloruro de vinilo (PVC), componentes de origen sintético altamente contaminantes. El dilema está en optar entre aquella pieza de origen animal que seguramente permanecerá por mucho tiempo en tu clóset o aquella opción que bajo una falsa promesa de sostenibilidad te durará apenas un par de temporadas.

Prendas con larga vida, ¿cómo lograrlo?

Tan sencillo como brindarle a tu ropa los cuidados apropiados según las especificaciones de sus etiquetas; atenciones que alargarán su ciclo de vida y preservarán la calidad de la tela. Otra manera de extender la existencia de tus prendas es multiplicando sus posibilidades de uso, sí, tal como lees, usando la ropa la mayor cantidad de ocasiones simplemente porque te encanta y te hace sentir a gusto logrará que evites comprar algo nuevo (ya sea por la premura de lucir la última tendencia o por dejarte llevar por el prejuicio de “ya me lo vieron puesto”) y relegar al olvido aquello que ya tienes. Así que ponte creativa y diseña varias opciones de estilismo con esas prendas que tanto te gustan y que ya existen en tu armario.

Arma conjuntos “comodín”

Seguramente en alguna ocasión, te ha pasado que has tenido que vestirte de manera urgente, contando con apenas unos pocos minutos para elegir tu ropa. El armado de conjuntos “comodín” te ayudará a resolver en segundos tu vestuario en situaciones imprevistas. Esta estrategia de estilo consiste justamente en crear con anticipación conjuntos que serán tu salvación cuando precises vestirte con rapidez. Puedes crearlos de acuerdo a la ocasión: para atender un evento cocktail a la noche, para asistir a un evento especial a la mañana o una reunión importante de trabajo. Solo bastará con abrir el clóset para quedar lista en un instante.

Afina tu criterio cuando vayas de compras

Procura seleccionar tus prendas con sensatez al momento de salir de compras en caso de que requieras hacerlo para cubrir una necesidad vestimentaria específica, ya que finalmente, su destino será tu armario y dependiendo de la claridad de tus elecciones, estás se convertirán en piezas convenientes y de alta utilidad o serán simplemente un elemento que ocupará espacio. Para impedir esta última observación, evita comprar cuando tu ánimo esté decaído y sientas que necesitas aliviar el mal momento con algo. Recuerda que ir de shopping no es una terapia y si lo haces con esta intención, terminarás adquiriendo prendas que probablemente nunca usarás y que terminarán saturando y contaminando tu clóset.

*Publicado en Revista COSAS Ecuador: https://cosas.com.ec/consideraciones-para-construir-un-armario-eficiente-y-de-calidad/

Joyería contemporánea hecha en Ecuador

Por: Sasha Santamaría (Consultora de Moda)

Continuamos dedicadas en la tarea de exponer y visibilizar el talento de diseñadores locales. En esta oportunidad, concentramos nuestros esfuerzos en localizar y descubrir propuestas de joyería contemporánea; obras de arte portables creadas por manos ecuatorianas, pequeños tesoros con los que elevarás tu vestuario. Conversamos con sus autoras acerca de su trayectoria profesional y motivaciones al momento de crear sus piezas:

Icona Jewelry

Minimalismo, modernidad y un sutil aire de feminidad son las cualidades que describen el espíritu de Icona Jewelry la línea de joyería fundada en 2019 por Kristel Bucheli, diseñadora egresada del Instituto Europeo de Diseño de Madrid quien ideó su marca bajo la premisa de crear piezas de acabados altamente estéticos con proyección internacional. “Lights”, su primera colección, presenta una amalgama de gemas coloridas; citrinos, turquesas, amatistas que se conjugan en sus piezas statement: el anillo “Trio”, los brazaletes “Cona” y el anillo “Elizabeth”, este último, creado en homenaje a su madre. Con su propuesta de “jewelry recycling” busca renovar la existencia de una joya antigua; reciclando su metal e incorporando piedras nuevas para así, obtener un nuevo diseño.

Lorena Jijón

Con una sólida trayectoria internacional, Lorena Jijón (formada en el Instituto Europeo de Diseño de Milán donde obtuvo un reconocimiento por su excelente desempeño académico) decide iniciar en 2014 su marca homónima, luego de adquirir experiencia como parte del equipo de diseño de joyería en firmas como Michael Kors, Mariani y Van Cleef & Arpels. Sus piezas de estética estilizada son trabajadas en oro, plata y diamantes, con técnicas que conjuntan lo artesanal y lo tecnológico; a través de la implementación de herramientas como el modelado 3D, recurso que le permite imprimir prototipos para así, gestar sus propuestas más abstractas. Su sentido de responsabilidad social la ha llevado a colaborar con algunas causas; para este año planea donar parte de las ganancias de su colección “Hidrósfera” a fundaciones ambientales que protegen los océanos.

Valeria Benalcázar

“Creo que los joyeros a través de este arte logramos materializar un sentimiento, un sueño, un pensamiento o una ideología. Es una actividad milenaria que ha acompañado al ser humano desde diversas aristas”, así describe su oficio Valeria Benalcázar artesana independiente que en 2017 fue premiada por la Asociación de Joyería Contemporánea Chilena. La inspiración para crear sus piezas la encuentra en la naturaleza y en su inquietud por experimentar con la materialidad; creando composiciones eclécticas en donde coexisten elementos de alto valor y otros inesperados, idea que toma forma en su colección “Adentros”, elaborada en pan de oro, plata, semillas, pigmentos, clorofila, miel, perlas y flores. De esta exploración devienen sus “gemas” de resina que simbolizan el carácter exploratorio y artesanal de su propuesta.

Sophie Jewelry

Su afición por la numismática (el estudio y coleccionismo de monedas) impulsó a Sofía Romo a crear en 2016 Sophie Jewelry un concepto de joyería en el que convierte monedas de diversas procedencias en joyas de imponentes diseños. Todo inició cuando decidió tomar unos “sucres” de su colección personal para crear unas piezas que luciría en una ocasión especial, resultado que encantó a la diseñadora Milú Espinoza, quien la invitó a participar con sus joyas en una editorial para una revista local. Para Sofía, la historia detrás de cada moneda convierte a sus joyas en un objeto especial y añade el hecho de crear un tipo de joyería amigable con el medio ambiente, ya que observa en el reciclaje de estas monedas una oportunidad de recuperar estos metales que podrían convertirse en un foco de contaminación debido a su oxidación.

Órafe

Órafe nace en 2013 bajo la visión de Carolina López, diseñadora de joyas y orfebre formada en el instituto Le Arti Orafe en Florencia, Italia. Su trabajo ha sido reseñado en revistas como Vogue y Vanity Fair. La sustentabilidad y el slow fashion son algunos de los valores de su marca, principios que, según Carolina, la llevan a crear “colecciones con sentido”. Su propuesta está conformada por tres líneas de joyería: la elaborada en plata en la que utiliza técnicas y materiales locales como la filigrana y a su vez, fusiona elementos naturales como paja toquilla o tagua con piedras semipreciosas; su línea de oro que posee una tendencia minimalista, la cual trabaja con diamantes y piedras preciosas; y su línea de joyas personalizadas en la que recrea piezas a medida de acuerdo a los requerimientos del cliente.

Spondylus Jewelry & Gallery

Jhovanna Crespo es la mente detrás de Spondylus Jewelry & Gallery proyecto que mantiene desde el 2004 y que concibió con la intención de “rescatar y fusionar lo contemporáneo con lo autóctono y precolombino”, referencias que se evidencian en sus piezas elaboradas en plata, baño de oro, cobre y bronce. Jhovanna indica que en sus procesos prevalece lo manual en su totalidad, en un esfuerzo por resguardar técnicas artesanales que se ven amenazadas frente a la intervención de las máquinas. En 2017, una de las piezas de su colección “Abisal” inspirada en la cultura otavaleña, le hizo merecedora de un premio otorgado por el Centro Interamericano de Artesanías y Artes Populares (CIDAP).

*Publicado en Revista COSAS Ecuador: https://cosas.com.ec/joyeria-contemporanea-hecha-en-ecuador/

Guía para crear combinaciones de color

El paso a paso y consejos para lograr mezclas cromáticas efectivas.

Por: Sasha Santamaría (Consultora de Moda)

Al momento de componer nuestro vestuario, el color juega un rol imperativo, puesto que, a primera vista, será el ingrediente que determinará su armonía. Por ello, su escogencia debe ser coherente y calculada. Algo que parece tan sencillo como combinar colores puede resultar todo un desafío, sobre todo si es una habilidad que no se tiene cultivada. Y es que, crear una paleta de color agradable en el vestir es todo un don, una cualidad que resulta alabada en el mundo del diseño. Así que para ayudarte a desarrollar esta destreza, he creado esta guía para enseñarte ciertos principios elementales que te permitirán incorporar y articular los colores en tu ropa de una manera eficaz y visualmente encantadora.

Empecemos con un poco de teoría

Probablemente, en algún momento de tu formación académica presenciaste una clase sobre teoría del color. El círculo cromático es una herramienta de gran ayuda a la hora de determinar nuestra paleta. Esta rueda conformada por doce colores (seis cálidos y seis fríos) nos permitirá visualizar las tonalidades y sus posibilidades de combinación. Te sugiero que conserves una en tu celular (puedes descargar la que ilustra este párrafo) o a su vez, imprimirla y colocarla cerca de tu armario; así tendrás tu “brújula” de color cerca cuando la necesites, ya sea cuando vayas de compras u organices tu vestuario de la semana.

Tal como mencioné, el círculo cromático facilita la visualización de las diversas alternativas de combinación. Una de ellas es la combinación por colores complementarios; es decir, aquella que surge entre los colores ubicados de manera opuesta dentro del círculo; por ejemplo, azul con naranja. De esta manera, según nuestro círculo, otras opciones de combinación complementaria son: amarillo con violeta, celeste con rojo, fucsia con verde, entre otras.

Otra opción de combinación es la que nace entre colores análogos; aquellos que son “vecinos” dentro del círculo y que devienen de un mismo color. En términos de vestuario, esto hace referencia a un estilismo monocromático, aquel en donde intervienen diferentes variaciones de un color, entre claros y oscuros.

Tanto la combinación por complementarios y análogos son apuestas seguras que te permitirán de entrada, fusionar tonos sin dificultad alguna. Pero, si deseas elevar el nivel de complejidad, puedes atreverte a realizar mezclas entre tres o más colores, mediante las combinaciones por triada, adyacente (utilizando dos tonos análogos y uno complementario) o tétrada. Como sugerencia: decide un color para la prenda superior, otro para la prenda inferior y los restantes empléalos a través de los accesorios o maquillaje.

Fuentes de inspiración

Además del círculo cromático, existen otros recursos que podrás tomar como referencia para configurar tus paletas de color. Una de ellas y la más exacta, donde no encontrarás ningún error: la naturaleza. Lo expresó en vida Alexander McQueen: “No hay mejor diseñadora que la naturaleza”, y es que, justamente, esta resulta una fuente inagotable a la que los diseñadores recurren para tomar inspiración a la hora de ejecutar sus colecciones. Puede sonar un poco abstracto, pero en algo tan cotidiano como el colorido de las flores de tu jardín o aquella foto del atardecer que tomaste en tu última visita a la playa, pueden servirte para crear tus propias combinaciones de color. Aquí una muestra de cómo puedes hacerlo:

En el arte también descubrirás ideas para organizar los colores (otro aspecto inspiracional que consideran los diseñadores para componer la cromática de sus propuestas). Recuerda que para volverte una experta de la combinación, debes nutrir tu mirada. Visitar museos o revisar libros sobre el tema es una gran manera de ejercitar tu capacidad para fusionar colores. Toma fotos en las exposiciones que visites, explora la obra de artistas destacados y la forma en que emplean los colores y prepárate para crear tus conjuntos, como este inspirado en una pintura de la artista libanesa Etel Adnan:

Colorido en el street style

¿Has escuchado sobre el scandinavian chic o el estilo escandinavo? Aquel que salió a la luz de la mano de Hanneli Mustaparta como novel embajadora de la moda danesa a fines de la primera década del 2000, en plena histeria de los blogs de moda. Este estilo se caracteriza por las inusuales y vanguardistas composiciones de color que realizan Emili Sindlev y Jeanette Madsen, otras de sus máximas exponentes. Así que si buscas referencias sobre cómo lucen estas combinaciones en la calle, puedes seguirles la pista en Instagram e incluso, estar al tanto de los registros de street style de la semana de la moda de Copenhague, ciudad cuna de esta estética.

Jeanette Madsen, Hanneli Mustaparta y Emili Sindlev

Observa las pasarelas

Dedica un tiempo a estudiar las pasarelas; observar desfiles y la manera en cómo se utiliza el color en cada conjunto te ayudará a ampliar tu espectro de posibilidades de combinación que, posteriormente, podrás replicar en tu vestuario. Pierpaolo Piccioli, el comandante de Valentino y Daniel Roseberry, actual director creativo de Schiaparelli, demuestran a través de sus composiciones que son unos grandes maestros del color.

Ensambles de Valentino y Schiaparelli

*Publicado en Revista COSAS Ecuador: https://cosas.com.ec/guia-para-crear-combinaciones-de-color/

La estrategia del Helsinki Fashion Week que promete cambiar el juego de la digitalidad en la moda

Perspectivas de moda y virtualidad desde la capital nórdica.

Por: Sasha Santamaría (Consultora de Moda)

Finlandia es sinónimo de vanguardia en términos de desarrollo social y tecnológico; su capacidad para innovar y generar soluciones a favor del bienestar y progreso colectivo es admirada a nivel global. Este mismo espíritu se derrama en su semana de la moda; celebrada en Helsinki, su capital, la cual se ha ganado el mérito de ser el encuentro de moda más sostenible del mundo, debido a sus esfuerzos en fomentar el debate en torno a las diversas problemáticas que aquejan a la industria –sobre todo las de índole ambiental- y en consecuencia, desarrollar acciones que permitan resolverlas. Una muestra de aquello fue su concepto Eco Village que predominó en su edición de 2018, donde demostraron la posibilidad de conciliar la moda con un estilo de vida circular.

Es así como en cada edición, Evelyn Mora; su directora y una de las voces más relevantes sobre moda y sustentabilidad; enfoca la agenda del evento alrededor de temáticas coyunturales que afectan a la sociedad. Este año, el eje central fue la sostenibilidad digital; una apuesta por trasladar los principios tradicionales de la sostenibilidad de la moda al ciberespacio. ¿De qué manera? Mediante el proyecto Digital Village, una plataforma experimental ideada para permitir a los diseñadores la exhibición de sus colecciones en un ambiente netamente virtual, con el objetivo de desafiar el sistema actual de la moda y demás industrias vinculadas, con el propósito de exponer la posibilidad de un desarrollo sostenible en un entorno digital.

La moda en lenguaje digital. Escena de la presentación de la colección de la diseñadora Tess Van Zalinge.

Otra de las premisas que avalan la concepción de esta aldea de diseño digital es evitar la contaminación creada por el desplazamiento –aéreo y terrestre- que implica la movilización del personal humano requerido para los desfiles y, por otro lado, en lo que respecta al proceso de diseño, economizar recursos de confección, puesto que, los conjuntos que se encuentran exhibidos en la web son elaborados únicamente bajo pedido.

Incluso, otro de los grandes motores de esta idea de indumentaria virtual es contrarrestar la contaminación causada por el excesivo consumo de moda rápida; de prendas que son adquiridas simplemente para ser fotografiadas y presumidas en redes y, posteriormente, desechadas o destinadas al desuso.

Tomando en consideración estos aspectos, esta experiencia permite al usuario la creación de un perfil y con ello, el pase para pre-ordenar las prendas físicas de treinta y cuatro diseñadores de diferentes orígenes y sensibilidades, sumado a la posibilidad de obtener una versión digitalizada de estas prendas para poder vestirlas en distintos escenarios virtuales; redes sociales, realidad virtual e incluso, en videojuegos. Sí, suena irreal, puesto que la gran interrogante recae en la garantía de posesión de una pieza que solo existe en un mundo intangible. La encargada de custodiar estas prendas digitales es Lukso, empresa de blockchain que permite almacenar, transferir, administrar e intercambiar –sí, existe la posibilidad de intercambiar ropa con otros usuarios- bienes digitales. Esta plataforma tiene la responsabilidad de resguardar el vestuario virtual –que podrá usarse las veces que se requiera durante un tiempo indefinido- y de entregar un documento que certifique esta posesión.

Las propuestas de estilismo son variadas, van desde las más extravagantes como los ensambles de la colección Catholic Fairytales del diseñador británico Patrick McDowell; en clave minimalista como los conjuntos monocromáticos de la marca Openplan e incluso; si se desea crear una imagen fantasiosa, la diseñadora Yifan-Pu plantea la opción de lucir como una sirena de una película de ciencia ficción. No existen imposibles en la construcción de la apariencia para la virtualidad –los filtros de Instagram son otra prueba de ello-.

Diseños de Openplan, Yifan-Pu y Patrick McDowell.

Entretanto, el proceso de digitalización de las colecciones fue llevado a cabo por Scotomalab, un estudio textil 3D con base en París que se encargó de digitalizar cada una de las prendas; en base a las indicaciones recibidas por los diseñadores, algo que da luces de nuevos oficios en la industria a propósito de la efervescencia de la virtualidad.

Una de las propuestas que cautivó a los usuarios digitales –quienes se encargaron de viralizar esta colección- fue la de Nece Gene, cuyas piezas en denim que conforman “Redo Denim”, proyecto de indumentaria de Neha Celly; su diseñadora, que en un ejercicio de upcycling recuperó desechos de este tejido para transformarlos en piezas casuales con terminaciones de alta costura; reflejadas a través de la aplicación de texturas que evocan al agua en sus diversos estados; olas, cascadas, paisajes acuáticos, utilizando el recurso de gradación; agrupando retazos de este material según el color, logrando un efecto de progresión cromática.

Conjuntos de “Redo Denim”, proyecto de la marca Nece Gene.

En definitiva, Village Digital propone alternativas aterrizadas en respuesta a los desafíos que implica la adaptación de la moda en el ámbito de la virtualidad. Aunque sus gestores advierten que se trata de una iniciativa que se encuentra en un estado de prueba, su planteamiento podría fácilmente replicarse en otras latitudes.

Si eres diseñador, ¿optarías por desarrollar una colección virtual para ahorrar recursos durante la fase de prototipado? Si interactúas gran parte de tu día en entornos digitales, ¿comprarías ropa que únicamente podrías lucir en aquellos contextos? Parece que el futuro que veíamos tan lejano ha llegado.

*Publicado en Revista COSAS Ecuador: https://cosas.com.ec/la-estrategia-del-helsinki-fashion-week-que-promete-cambiar-el-juego-de-la-digitalidad-en-la-moda/

Seis marcas de accesorios que celebran la artesanía ecuatoriana en sus diseños

Complementos con sello autóctono hechos cien por ciento en Ecuador.

Por: Sasha Santamaría (Consultora de Moda)

La reivindicación de los saberes artesanales es una de las características que distinguen al diseño latinoamericano; cualidad que ha tomado una fuerza especial durante estos últimos años, sobre todo, en las propuestas de las nuevas generaciones. La recuperación y revalorización de técnicas ancestrales para evitar su extinción, parece ser el factor que motiva a creadores a realizar alianzas con artesanos y así, en conjunto, concebir un marco creativo donde lo autóctono y lo contemporáneo se toman de las manos para crear una narrativa que cautiva por su sincretismo.

Nuestro país cuenta con un invaluable repertorio de saberes artesanales, algunos concebidos en tiempos precolombinos; como la hechura del sombrero toquilla –reconocido por la UNESCO como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad- y otros; producto del mestizaje. Y es que su fineza, laboriosidad y precisión en el detalle son virtudes que por demás permiten categorizarlas como Alta Costura. Si Francia tiene a Lesage y a Massaro, Ecuador tiene a sus tejedores, bordadores y demás hacedores del oficio artesanal.

Creemos que son tiempos para aprovechar nuestra plataforma para dar a conocer aquellas propuestas cuya trazabilidad está permeada por un ímpetu local en su totalidad; desde su materia prima hasta su mano de obra. Estas marcas de accesorios son muestra del trabajo artesanal de alta calidad con sello ecuatoriano.

Argó

Argó es una marca de joyería que nace de la sensibilidad conjunta de Adriana Landívar y Juan Neira, una pareja de esposos y artistas plásticos cuencanos que hace 25 años decidieron iniciar su camino en la rama de la joyería artesanal; concibiendo una propuesta de diseño que resalta la identidad andina de la ciudad de Cuenca. Así; flores, colibríes y colores que evocan los paisajes del austro, se amalgaman en sus joyas de plata y baño de oro; que ambos concretan a través de técnicas como la filigrana, el esmaltado y el grabado a buril. Resaltan con mucha gratitud el apoyo recibido por el CIDAP (Centro Interamericano de Artesanías y Artes Populares), institución que los ha capacitado y encaminado en el desarrollo de su concepto de joyería “ancestro-artesanal”. En 2019, su destacada trayectoria les hizo merecedores de la presea Gaspar Sangurima; reconocimiento otorgado por la Municipalidad de Cuenca.

Shigras del Ecuador

“El mundo es pequeño para la infinidad de técnicas artesanales del Ecuador” expresa Paúl Vásconez, publicista y fotógrafo guarandeño; gestor de Shigras del Ecuador, proyecto que creó en el 2011 con el propósito de revalorizar, visibilizar y proyectar a nivel internacional el trabajo manual de mujeres artesanas de Simiatug, la montañosa y gélida parroquia del cantón Guaranda. La shigra es uno de sus productos emblema, cuyo desarrollo inicia con el cultivo, secado y tinturado del penco; fibra que es utilizada para tejer los bolsos y otros productos; aplicando el “shigreado”, una técnica de costura punto por punto que permite construir la base del bolso; instancia de partida para que las artesanas proyecten en los tejidos los colores de los paisajes de su tierra y las escenas de su diario vivir; pieza que les demanda un mes de confección. Paúl indica que estos diseños han cruzado fronteras; llegando a comercializarse en ciudades como Londres, Berlín y Bangkok.

Andrea Tello

En julio del 2003, Andrea Tello, artista de joyería, regresaba al país luego de haber culminado sus estudios de Arte en Estados Unidos. Descendiente de una familia de joyeros y con este legado a cuestas, decide emprender su marca homónima con el propósito de rescatar y modernizar la técnica de la filigrana; trabajando sus piezas con plata obtenida en zonas cercanas a Cuenca; su ciudad natal. Bajo la convicción de evitar la desaparición de esta técnica, decide capacitar a jóvenes de las comunidades de Gualaceo y Chordeleg, para brindarles una alternativa de trabajo y así evitar que abandonen el país de manera ilegal en búsqueda de oportunidades. A través de estos 17 años de trayectoria, la diseñadora ha formado a jóvenes artesanos de entre 25 y 35 años, quienes le han ayudado a materializar sus joyas inspiradas en la cosmología andina –disciplina que estudió por un año-, procurando así, la conservación de esta milenaria técnica azuaya.

Minti

Minti es una marca familiar conformada por Maribel Almeida; fundadora y directora creativa, Galo Almeida; ebanista-carpintero autodidacta y Andrea Almeida; fotógrafa profesional. Ambos aunaron esfuerzos para alumbrar este proyecto de diseño de objetos esenciales elaborados en madera. Ellos apuestan por el valor de lo hecho a mano y el comercio justo. Resulta destacable la manera en que aprovechan los sobrantes generados en el taller de carpintería de Galo para realizar sus piezas; fragmentos de cuero, teca, pino y ciprés que recuperan para ensamblar sus bolsos de impronta geométrica y atemporal.

“Estamos seguros de que el nuevo lujo es lo hecho a mano” señala Maribel y nos brinda detalles de “Mis Andes”, su próxima colección en homenaje a Los Andes de Ecuador, Perú y Bolivia; que desarrollará en conjunto con KUN Eco Fibers, un emprendimiento de fibra de alpaca y oveja que trabaja con comunidades andinas.

Conya

María Emilia Contreras es la mente detrás de Conya, una marca que vio la luz en diciembre del 2016. Amante confesa de nuestro país, de sus paisajes y su gente; uno de sus sueños al emprender este proyecto fue trabajar en conjunto con artesanos, a quienes ve como “maestros expertos en técnicas milenarias que vienen desde hace siglos enseñándose de generación en generación”. De esta manera, la naturaleza y mano de obra artesanal ecuatoriana se convirtieron en las bases fundacionales de su marca. Estos preceptos se reflejan en sus “orquídeas”; las piezas estrella de Conya, un motivo que deviene de la flora amazónica y que es trabajado por Rosita, artesana saragureña que aplica su técnica de tejido en mullo para elaborar cada una de las flores. Así, según los requerimientos de sus colecciones, Emilia localiza a los artesanos, los visita en sus comunidades, les presenta sus ideas para posteriormente, dar inicio a la dinámica de co-diseño.

María Amazonas

Isabella María y Denisse María son las artífices de María Amazonas, una marca que gestaron en julio del 2018 bajo la premisa de crear carteras de paja toquilla con un giro urbano, para ser vestidas en la ciudad, agregando un componente de tendencia. La inspiración para sus diseños la encuentran en la biodiversidad de nuestro país, y para concretar sus piezas, recurren a la destreza manual de un grupo de artesanas de la sierra; quienes se encargan del teñido y tejido de la paja; utilizando su técnica de crochet a dos hebras; para en dos o cuatro días culminar uno de los bolsos.

Isabella explica que al momento se encuentran desarrollando talleres de capacitación para formar nuevas artesanas y en efecto, generar empleo para las mujeres de la comunidad.